Przewodnik gejowski po Met Gali

Met Gala to najbardziej ekskluzywny i ekstrawagancki wieczór w świecie mody – połączenie celebrytów, mody haute couture i chęci zwrócenia na siebie uwagi, które z imprezy charytatywnej dla branży modowej przerodziło się w globalne widowisko medialne. 

Anna Wintour jest Mistrzynią Ceremonii i wykorzystuje Met Galę, aby przekazać swój obraz świata, tak jak robi to za pomocą okładki Vogue. Jej wizja obejmowała piękno, władzę, pieniądze, sławę i charakterystyczną markę liberalnej elitarnej polityki. Prezentuje wpływowe gwiazdy w śmiesznych strojach i sygnalizuje, że są naturalnymi liderami znanego świata. My, plebs, możemy podziwiać je z daleka, przewijając nasze kanały na Instagramie. Lady Gaga, ubrana w różową suknię z 25-stopowym trenem, życzliwie przesyła nam całusy przez kamerę.

Dla społeczności LGBTQ+ to wydarzenie ma szczególne znaczenie, ponieważ od dawna celebruje głosy kreatywne (z których wiele jest gejami), które kształtują modę, a jednocześnie stanowią platformę do wyrażania się wbrew płci. Pod względem ekonomicznym jest to o wiele mniej inkluzywne, ale to wszystko jest częścią perwersyjnego uroku wydarzenia.

Pod względem estetycznym Met Gala przywodzi na myśl świat Igrzysk Śmierci i prawdopodobnie nie jest to przypadek.

Początki: od zbierania funduszy przez społeczeństwo do instytucji mody

Metropolitan Museum of Art's Costume Institute Benefit, obecnie powszechnie znane jako Met Gala, rozpoczęło się w 1948 r. jako zbiórka funduszy na kolację o północy zainicjowana przez rzeczniczkę mody Eleanor Lambert. Inauguracyjne wydarzenie kosztowało gości zaledwie 50 USD (dziś około 550 USD) za udział w kolacji o północy w grudniu, której celem było zebranie pieniędzy na rzecz nowo utworzonego Costume Institute w Metropolitan Museum of Art. Podróż wehikułem czasu do 1948 r. jest najbardziej prawdopodobnym sposobem, aby wziąć udział w tym historycznym wydarzeniu.

W swoich wczesnych wcieleniach gala była jednym z wielu wydarzeń towarzyskich w kalendarzu Nowego Jorku – ważnym w kręgach mody, ale nie tak kulturowym, jakim się stała. Transformacja wydarzenia rozpoczęła się, gdy Diana Vreeland, legendarna była redaktorka Vogue, dołączyła do Costume Institute jako konsultantka w 1972 roku. Vreeland wniosła swoją teatralną wrażliwość i kontakty w branży, przekształcając wydarzenie w bardziej efektowne wydarzenie, które zaczęło przyciągać gwiazdy obok osób z branży mody i bywalców salonów.

Te pierwsze gale ustanowiły ważne precedensy: zbiegały się z otwarciem ważnych wystaw kostiumów, przyciągały najważniejszych graczy branży i coraz częściej stawały się sceną dla mody jako sztuki, a nie tylko stroju.

Era Anny (nuklearnej) Wintour

Wszystko zmieniło się w 1995 r., kiedy Anna Wintour, redaktor naczelna American Vogue, przejęła stery jako przewodnicząca wydarzenia. Pod kierownictwem Wintour Met Gala przekształciła się z ważnej funkcji branżowej w globalne widowisko medialne i najbardziej pożądane zaproszenie na świecie. Łatwiej jest dostać zaproszenie na koronację królewską lub inaugurację prezydencką.

Wizja Wintour dotycząca gali zakładała zmiany strategiczne:

• Przeniosła wydarzenie z grudnia na pierwszy poniedziałek maja, tworząc stałą datę w światowym kalendarzu mody
• Drastycznie podniosła ceny biletów (teraz zaczynają się od 35,000 XNUMX dolarów za osobę), jednocześnie czyniąc listę gości bardziej selektywną
• Zaczęła tworzyć listę uczestników z precyzją generała, przesuwając podziały na mapie, mieszając postaci ze świata mody z celebrytami, artystami, politykami i sportowcami
• Wprowadziła zwyczaj wyznaczania współprzewodniczących, którzy pomagają w organizacji wydarzenia, często wybierając postacie kulturowo istotne, które mogą przyciągnąć różną publiczność

Wyniki były bezprecedensowe. Met Gala zbiera obecnie ponad 15 milionów dolarów w ciągu jednej nocy dla Costume Institute, a przybycie na czerwony dywan stało się jednym z najczęściej oglądanych momentów w modzie, generując miliardy wyświetleń w mediach tradycyjnych i społecznościowych.

Wpływ LGBTQ+ na Met Gali

Historia Met Gali jest nierozerwalnie związana z głosami kreatywnymi LGBTQ+. Od zaangażowania projektantów gejów, którzy zdefiniowali amerykańską modę (Halston, Marc Jacobs, Tom Ford, Thom Browne) po gejów, którzy ukształtowali sam Costume Institute (w tym legendarnego kuratora Harolda Kodę), wydarzenie od dawna jest pod wpływem queerowych perspektyw.

Niektóre z najważniejszych wystaw i odpowiadających im gal były okazją do świętowania projektantów mających głębokie powiązania ze społecznością LGBTQ+. „Obóz: notatki o modzie” Wystawa, zainspirowana esejem Susan Sontag na temat estetyki kampu, wyraźnie wskazywała na gejowskie korzenie wrażliwości kampowej.

Wejście boga słońca Billy'ego Portera w wykonaniu sześciu mężczyzn z gołymi koszulkami, cały różowy strój Lady Gagi i kurtka „Black Drag Queens Invented Camp” Leny Waithe stworzyły legendarne momenty na czerwonym dywanie. Wieczór stał się celebracją estetyki, która od dawna jest zakodowanym wyrazem w społecznościach LGBTQ+.

Wcześniej „Alexander McQueen: Dzikie piękno” wystawa w 2011 r. uhonorowała dzieło zmarłego projektanta, stając się wówczas najczęściej odwiedzanym pokazem Costume Institute z ponad 650,000 XNUMX uczestników. Odpowiadająca jej gala podkreśliła rewolucyjną wizję McQueena: w swoich projektach naprawdę łączył sztukę i handel.

Ewolucja wystawy: od retrospektyw do tematów koncepcyjnych

Wystawy tematyczne towarzyszące Met Gali z czasem znacząco ewoluowały – od retrospektyw projektantów po coraz bardziej koncepcyjne eksploracje, które rzucają uczestnikom wyzwanie interpretowania abstrakcyjnych tematów poprzez modę.

Wczesne wystawy ery Vreeland skupiały się na inspiracjach geograficznych, takich jak „Chwała rosyjskiego stroju” lub „Mandżurski smok”. Wraz ze wzrostem znaczenia wydarzenia, retrospektywy projektantów stały się powszechne, świętując takie postacie jak Yves Saint Laurent, Christian Dior i Gianni Versace.

Pod przewodnictwem Andrew Boltona, który w 2015 r. został kuratorem Costume Institute, wystawy przyjęły bardziej teoretyczne ramy, w tym:

„Chiny: po drugiej stronie lustra” (2015), eksplorując przywłaszczenie i interpretację chińskiej estetyki przez modę zachodnią. Wydarzenie to, jeśli mamy być szczerzy, pozycjonowało się jako ćwiczenie propagandowe, aby przyciągnąć ogromny rynek chiński. Nie zapominajmy: to wydarzenie dotyczy przede wszystkim władzy.
„Niebiańskie ciała: moda i katolicka wyobraźnia” (2018), badając wpływ katolicyzmu na projektowanie mody. W tym roku wystąpiła historyczna nemesis Watykanu, Madonna: była ekskomunikowana więcej razy niż Marcin Luter.
„W Ameryce: Leksykon mody” (2021), próbując zdefiniować wyraźnie amerykański słownik mody
„Karl Lagerfeld: linia piękna” (2023), świętując płodną karierę projektanta w wielu domach mody

Ewolucja czerwonego dywanu: od formalnego stroju do sztuki performance

Czerwony dywan Met Gala zmienił się z tradycyjnej linii przybycia w coś, co jest w zasadzie sztuką performatywną, komentarzem kulturowym i generatorem szumu w mediach społecznościowych. Ta ewolucja zapewniła szczególnie ważną platformę dla ekspresji LGBTQ+ i przekraczających granice momentów mody.

Wcześniej uczestnicy nosili głównie eleganckie stroje wieczorowe, które, choć szyte przez projektantów, rzadko przekraczały granice konwencjonalności. Punkt zwrotny nastąpił na początku XXI wieku, kiedy tematy zaczęły inspirować dosłowne i odważniejsze interpretacje.

Szczególnie znaczący był rok 2013 „Punk: od chaosu do haute couture” wystawa, która zachęcała gości do przyjęcia buntowniczego ducha punku. Podczas gdy wielu uczestników grało bezpiecznie, oznaczało to zmianę w kierunku bardziej teatralnych interpretacji tematów. Ustanowiło to również punk, formę sztuki klasy robotniczej, w najbardziej elitarnych kręgach świata mody.

Do 2019 r. "Obóz" wystawa, czerwony dywan całkowicie przekształcił się w scenę widowiska mody. 16-minutowy występ Lady Gagi z czterema zmianami kostiumów, Jared Leto niosący replikę swojej głowy i wejście Billy'ego Portera w postaci egipskiego boga słońca niesionego przez sześciu mężczyzn zmieniły modę w sztukę performatywną. Niektórzy mogliby powiedzieć, że wydarzenie przerodziło się w plac zabaw dla niezrównoważonych narcyzów, inni powiedzieliby, że podążało za czasami.

Dla uczestników i projektantów będących gejami coraz bardziej teatralny charakter Met Gali stworzył przestrzeń dla ekspresji odrzucających płeć, które mogą nie być akceptowane na bardziej tradycyjnych wydarzeniach. Czerwony dywan stał się platformą, na której można kwestionować normy płciowe, a postaci takie jak Harry Styles, Lil Nas X i Troye Sivan wykorzystują to wydarzenie, aby przeciwstawić się konwencjonalnej męskości poprzez modę.

Transformacja cyfrowa: media społecznościowe zmieniają wszystko

Być może żaden czynnik nie zmienił Met Gali bardziej niż rozwój mediów społecznościowych. Podczas gdy pierwotnie robienie zdjęć było zabronione w trakcie wydarzenia (zasada ta jest obecnie powszechnie łamana w przypadku selfie w łazience, które stały się własną tradycją), dzisiejsza gala ma na celu zdominowanie kanałów społecznościowych.

Od około 2015 roku Met Gala przyjęła swoją cyfrową publiczność, a Vogue produkuje obszerne relacje, w tym transmisje na żywo z przybycia na czerwony dywan. Ta cyfrowa transformacja zdemokratyzowała dostęp do w innym przypadku wysoce ekskluzywnego wydarzenia, umożliwiając entuzjastom mody na całym świecie udział w komentarzach w czasie rzeczywistym. Pozwala Vogue utrzymać dominację nad kulturą popularną w świecie, w którym musi konkurować z Instagramem, platformą, która stworzyła tysiące blogerów modowych DIY.

Przyszłość: Ewolucja trwa

W miarę jak Met Gala wkracza w ósmą dekadę, wciąż ewoluuje. W ostatnich latach podejmowano wysiłki, aby zróżnicować listę gości poza tradycyjne kręgi mody, a zaproszenia otrzymywali influencerzy, gwiazdy TikToka i młodsze głosy kulturowe. Wydarzenie odpowiedziało również na krytykę dotyczącą swojej ekskluzywności, prezentując więcej wschodzących projektantów i głosów ze społeczności niedostatecznie reprezentowanych.

Dla społeczności LGBTQ+ Met Gala pozostaje fascynującym barometrem kulturowym – miejscem, w którym queerowa ekspresja twórcza może dotrzeć do głównego nurtu odbiorców, jednocześnie rzucając wyzwanie konwencjom dotyczącym płci, sztuki i mody. Od projektantów homoseksualnych, którzy historycznie kształtowali wydarzenie, po współczesne postacie queer, które wykorzystują je jako platformę do widoczności, relacja między społecznością LGBTQ+ a największą nocą mody nadal ma wzajemnie na siebie wpływ.

To, co zaczęło się jako zbiórka funduszy o północy, przekształciło się w dziwaczne połączenie sztuki, celebrytów, mody i komentarza kulturowego. Jeśli wydarzenie zacznie tracić popularność w mediach społecznościowych, Anna Wintour prawdopodobnie zmusi gwiazdy do walki ze sobą w stylu gladiatorów na czerwonym dywanie. Wyobraź sobie, ilu więcej obserwujących zdobyliby na Instagramie.